SEPTEMBER 8-12, 2025
Sept. 2024
Vol.1
NIFF BULLETIN
Official festival bulletin
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THANK YOU FOR SO MUCH WITH SO LITTLE
By Patricia Fermin
"If You Loved Me, Go Away" by Sofía Muñoz
2023 CIMA Jury Award
(ESP)
«Si me querei, irse» de Sofía Muñoz muestra una actuación impresionante en el papel de una madre (Juana) en el hogar. Con la serena apertura de Juana cortando algunas alcachofas, el público es introducido a una vista íntima de cómo ella prepara paella para su familia. Durante la primera mitad del cortometraje, el espectador cree que su rol es normal, como si ella debiera estar cocinando y preparando todo para la familia. Se enfatiza el cuidado y la atención que una madre pone en cada pequeño detalle para su familia. El público puede notar cómo ella es la única enfocada en poner la mesa, cocinar las comidas y repartir la comida. Las cosas empeoran cuando Pepe, su esposo, anuncia que se retirará. Un comentario que se escucha es que celebrará haciendo almendras fritas. Juana regresa a la cocina después de un rato y se da cuenta de que las almendras se han quemado. Ella está visiblemente molesta y, en el fondo, escuchamos a la familia quejándose y pidiendo la paella ya. Avanzando hacia el clímax, Juana está sirviendo la paella una por una, atendiendo las órdenes de los miembros de su familia con una sonrisa. Sin embargo, la situación se descontrola cuando su esposo pregunta: “¿Dónde están las almendras fritas?”. Después de una larga pausa, Juana responde: “¿Y yo qué? ¿Cuándo me retiro?”. Con un aura de derrota, mira a la cámara, con microexpresiones que muestran claramente su agotamiento. Su esposo le dice directamente que ni siquiera ha trabajado. Ella se desinfla aún más, porque ve que el problema no es que no trabaje, sino que su esposo no reconoce que el trabajo de ser ama de casa es un trabajo real. La situación es aplastante ya que el resto de la familia lo pasa por alto y continúa con su conversación.
Todo en este cortometraje es real: la actuación, la cinematografía, el diálogo susurrante. Representa de manera minuciosa la situación demasiado familiar de muchas mujeres en todo el mundo. La película alude a no dar nunca por sentadas a nuestras madres, especialmente a aquellas que son amas de casa. Suponer que este trabajo es fácil o porque no tienen empleo es insultante. Este filme es una representación para todas las Juanas allá afuera, frustradas en su situación y que desean que cambie. El cortometraje ruega a todos los individuos que sean agradecidos y reconozcan que a veces este trabajo es arduo. Es un llamado a reconocer que necesitamos despertar de la normalización de esto y asumir nuestra propia responsabilidad.
(ENG)
¨Si me querei, irse¨ by Sofia Muñoz displays a stunning performance of the role of a mother (Juana) at home. With the serene opening of Juana slicing some artichokes, the audience is introduced to an intimate view of how she prepares paella for her family. For the first half of the short film, the viewer believes that her role is normal, as if she ought to be cooking and preparing everything for the family. It places emphasis on the care and attention a mother puts in every little detail for her family. The audience can notice how she is the only one focused on setting the table, cooking the meals, and passing the food around. Things take a turn for the worse when Pepe, her husband, announces that he will be retiring. A comment that can be heard is that he will celebrate with making fried almonds. Juana comes back to the kitchen after a while and notices that the almonds were burnt. She is visibly upset, and in the background, we hear the family complaining, asking for the paella already. Fast forward to the climax, Juana is passing around paella one by one, heeding commands from her family members with a smile. However, the situation blows over when her husband asks, “Where are the fried almonds?”. After a long pause, Juana replies, "And what about me? When do I retire?”. With an aura of defeat she stares at the camera, with micro expressions clearly showing her exhaustion. Her husband straight up tells her that she hasn’t even worked. She deflates even more, because she sees that it isn’t her not working that is the problem, but it is that her husband does not recognize that her being the homemaker is real work. The situation is crushing as the rest of the family brushes it aside and continues with their conversation.
Everything about this short film is real – the acting, the cinematography, the hushed dialogue. It painstakingly depicts the all too familiar situation of many women around the world. The film was an allude to never take our mothers for granted, especially those who are home makers. To just assume that this job is easy or because they don’t have work is insulting. This film is a representation for all the Juanas out there, frustrated in their situation and want it to change. The short film begs for all individuals to be thankful and to recognize that sometimes this job is hard work. It is a call action to recognize that we need to wake up from normalizing this and pull our own weight!
Patricia Fermin
Patti Fermin is a Filipino Psychology student at the University of Navarra, currently in her third year. With a multicultural background, Patti brings a diverse perspective to her studies and interests. Passionate about film, Patti enjoys exploring all genres but has a special affinity for horror, psychological thrillers, and thrillers. Her love of film is deeply intertwined with her academic studies, as she aspires to apply her knowledge of psychology to the film industry in the future. Her unique combination of cultural perspectives, academic focus, and personal interests makes her a dynamic individual, poised to make a significant impact in both psychology and film.
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CARNIVAL OF THOUGHTS
By Patricia Fermin
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"Mental Soirée" by Alberto Arellano
WELAB Award 2023 for Best Photography
(ESP)
“Mental Soirée” de Alberto Arellano fue una pieza visualmente impactante e interesante. Con una historia muy atractiva representada por colores, formas y sonidos, el público queda cautivado en cada momento. Comprender la telepatía de una manera muy sencilla, en solo tres pasos, permite que la imaginación del espectador se desate. Prosa, historia, poesía y experimentación se combinan en una sola obra. La cinematografía perfectamente orquestada es uno de los aspectos clave. Al principio parece que todo se hizo a través de CGI, pero no es así. Fue el uso de la cinematografía a alta velocidad lo que permitió a Arellano capturar cada momento. Otro aspecto interesante de este cortometraje es su narrativa a través de un manual de instrucciones de máquina, que da al espectador una sensación de antigüedad/vintage. También fue interesante ver que el verdadero protagonista de la historia era la mente, y no la Señorita A ni la Señorita B. El espectador es invitado a difuminar las líneas entre la ficción y la realidad. El escenario general a lo largo de la película fue visualmente agradable, sin durezas ni bordes ásperos a la vista. Era como si el director hubiera creado un parque de juegos para transmitir su mensaje. Aunque es fácil pasar por alto los elementos, cada objeto en la mesa jugaba un papel significativo en la recepción y transmisión de mensajes mentales. Aunque había ciertos elementos que parecían muy fuera de este mundo, la narración mantenía al espectador anclado en la naturaleza científica del cortometraje. Aunque las cosas podrían ser subjetivas, todavía se presentó como un experimento. Una faceta notable fue cómo también se incorporaron las emociones. Había una capa de realidad y ficción, pero también, durante todo eso, surgió la emoción. Esto podría ayudarnos a reflexionar sobre cómo ciertas decisiones en la vida, como elegir a nuestra pareja, amigos y mantenernos en contacto con nuestros seres queridos, también pueden depender de la percepción extrasensorial. A veces simplemente tenemos un “presentimiento”. Arellano ejecutó perfectamente un equilibrio armonioso entre la realidad, la ficción y nuestros pensamientos más profundos para ofrecernos una exhibición encantadora que exploró nuestras mentes.
(ENG)
¨Mental Soirée¨ by Alberto Arellano was a very visually stunning and interesting piece. With a very interesting story depicted by colors, shapes, and sounds, the audience is captivated in every moment. Understanding telepathy in a very simple manner – in just three steps allows the audience’s imagination to run wild. Prose, story, poetry and experimentation are all combined in one. The perfectly orchestrated cinematography is a key takeaway. It at first feels as if everything was done through CGI, but it is not. It was the use of high-speed cinematography that allowed Arellano to capture each moment. Another interesting facet of this short film is its narrative through an instructional manual machine, which gives the viewer a hint of outdated/vintage vibes. It was also interesting to see that the real protagonist of the story was the mind, and not Miss A nor Miss B. The viewer is invited to blur the lines between fiction and what is real. The overall set throughout the film was visually pleasing, with no hardness or rough edges spotted. It was like the director had created a playground to convey his message. As it is easily to gloss over the elements, each item on the table played a significant role in receiving and transmitting mental messages. Although there were certain elements that seemed very out of this world, the narration kept the viewer grounded in the scientific nature of the whole short film. Although things could be subjective, it was still presented as an experiment. One noticeable facet was how emotions were also added into the mix. There was a layer of reality and fiction, but also during all that, emotion sprung. This could help us reflect on how certain life choices such as choosing our partner, friends, and keeping in touch with our loved ones can also depend on extrasensory perception. Sometimes we just have a “feeling”. Arellano perfectly executed a harmonious balance between reality, fiction and our innermost thoughts to give us a delightful display that poked around in our minds.
Patricia Fermin
Patti Fermin is a Filipino Psychology student at the University of Navarra, currently in her third year. With a multicultural background, Patti brings a diverse perspective to her studies and interests. Passionate about film, Patti enjoys exploring all genres but has a special affinity for horror, psychological thrillers, and thrillers. Her love of film is deeply intertwined with her academic studies, as she aspires to apply her knowledge of psychology to the film industry in the future. Her unique combination of cultural perspectives, academic focus, and personal interests makes her a dynamic individual, poised to make a significant impact in both psychology and film.
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SUSPENSE IN A CAFE
By Nuria Lorente i Quintana
"Pisanka" by Jorge Yúdice
2023 NIFF Silver Award for Best Director
2023 Jury Award for Best Original Score (Ibrah Pdernera)
(ESP)
El reencuentro en un bar de dos amigas que hace años que no se ven podría ser una imagen tierna de un cortometraje que nos habla de la amistad y el paso del tiempo. Aun así, desde un inicio la música de Pisanka nos alerta que este cortometraje será más oscuro que esta imagen idílica. El guion también nos da pistas desde el principio para adivinar que algo no funciona cuando Anna, por ejemplo, le pregunta a Erica si está bien y esta no contesta. Pues está claro que no está bien. No está bien porque Erica ve más cosas que el resto. Ve muertos.
Con la tensión creciente y con la piel cada vez más de gallina, el corto consigue que como espectadores no podamos apartar los ojos de la pantalla en ningún momento. Puede que, en parte, sea por el efecto de péndulo gracias al ligero movimiento de cámara que recuerda a una sesión de hipnosis, tal vez como si Jorge Yúdice quisiera hacernos entrar en tránsito también a los espectadores.
La angustia se va apoderando de nosotros cuando, efectivamente, nos damos cuenta de que en el bar también hay un muerto que solo puede ver Erica. A partir del suspense, entre largas miradas, un trago de café o un momento de silencio, se crea un ritmo que te atrapa y hace que quieras saber cómo acaba. Además, casi todo el corto transcurre en un mismo espacio, con lo cual todavía acentúa más la situación claustrofóbica de las protagonistas. Esta sensación se hace aún más patente con planos cada vez más cortos y más cerrados de las protagonistas.
Aun así, este no es un corto solo de confesiones entre amigas y muertos que resucitan, sino que también nos habla de cómo afectan a los otros las decisiones que tomamos, de cómo gestionamos los errores del pasado y de cómo necesitamos el perdón por encima de todo. De hecho, este es un tema que también encontramos en el último corto de Jorge Yúcide, Cocodrilo, el cual trata la reconciliación entre una madre y un hijo.
En síntesis, Pisanka, una película muy minimalista, consigue a partir de la combinación de género y temática que el cortometraje no solo atrape por su tensión narrativa sino también por su carga emocional, ofreciendo una experiencia completa que no te deja indiferente.
(ENG)
The reunion in a bar of two friends who have not seen each other for years could be a tender image of a short film that tells us about friendship and the passing of time. Even so, from the beginning, Pisanka’s music alerts us that this short film is gonna be darker than this idyllic image. The script also gives us clues from the beginning to guess that something is wrong when Anna, for example, asks Erica if she is well and she doesn’t answer. Well, it's clearly not okay. It's not right because Erica sees more things than the rest. She sees dead people.
With the tension growing and the skin getting goose bumps, the short film makes us as spectators unable to take our eyes off the screen at any moment. Maybe it is partly due to the pendulum effect thanks to the slight camera movement that reminds us of a hypnosis session, perhaps as if Jorge Yúdice wanted to make us, the viewers, enter into transit as well as the protagonists.
Anguish takes hold of us when, indeed, we realize that there is also a dead man in the bar that only Erica can see. From the suspense, between long glances, a sip of coffee or a moment of silence, a rhythm is created that grabs you and makes you want to know how it ends. In addition, almost the entire short takes place in the same space, which further accentuates the claustrophobic situation of the protagonists. This feeling becomes even more evident with increasingly shorter and tighter shots of the protagonists.
Even so, this is not only a short film about confessions between friends and the resurrected dead, but also about how the decisions we make affect others, how we deal with past mistakes and how we need forgiveness above all else. In fact, this is a theme we also find in Jorge Yúcide's latest short film, Cocodrilo, which deals with the reconciliation between a mother and a son.
In summary, Pisanka, a very minimalist film, achieves through the combination of genre and theme that the short film not only captures the viewer with its narrative tension but also with its emotional charge, offering a complete experience that does not leave you indifferent.
Nuria Lorente i Quintana
Núria is a final-year Audiovisual Communication student at Pompeu Fabra University. Film has been a passion of hers since childhood, not only as a means of entertainment and imagination, inspired by the magical worlds of Studio Ghibli, but also as a powerful tool for social change. For over 15 years, she has been an active member of a scout group, another way in which, through play and community projects, she has championed social transformation and made the world a better place. Her university internship has offered her the opportunity to work at Nadir, a small cooperative in Barcelona that offers audiovisual workshops in schools and colleges.
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EL AMOR INCONDICIONAL DE UNA MADRE
By Nuria Lorente i Quintana
"Mamá" by Miguel Azurmendi
2023 NIFF Silver Award for Best Performance (Maite Atarés)
(ESP)
“Quiero que sepas que siempre té querré, y que cualquier cosa que has hecho o vayas a hacer nunca cambiará eso”. El amor incondicional de una madre por su hijo es una de las fuerzas más poderosas y puras de la naturaleza. Pero, ¿es este sentimiento tan fuerte que realmente puede trascender cualquier palabra y acción? ¿Puede una madre perdonar a cualquier precio los errores de un hijo?
Mamá, el cortometraje de Miguel Azurmendi, nos ofrece un retrato íntimo y conmovedor de una mujer mayor y solitaria que cuida de su único hijo, ya adulto, descuidado y con sobrepeso. La madre, con paciencia y afecto, se ocupa del hogar, realizando las tareas domésticas con calma. Aunque la narrativa no nos permite salir de las cuatro paredes de la casa, la televisión, siempre encendida, carga el espacio con un flujo constante de noticias sobre criminales y asesinos, consiguiendo crear una atmósfera única que a la vez es opresiva, claustrofóbica y cínica.
Las noticias, repetitivas y omnipresentes, nos hablan de un asesino despiadado que deambula libre por la ciudad, estrangulando a sus víctimas. Lo llaman “El Oso”. Esta constante amenaza exterior se convierte en un contrapunto inquietante a la aparente tranquilidad del hogar, haciendo crecer la preocupación de la madre por los actos de su hijo. En cierto modo, nos puede recordar a películas como Beautiful Boy, una película de Felix van Groeningen que también nos habla del amor de los padres por sus hijos a cualquier precio.
Para concluir, Mamá nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del amor incondicional y sus límites, haciéndote entrar sin saber cómo dentro de una burbuja que da una falsa seguridad porque en el fondo sabes que puede explotar en cualquier momento. Con un ritmo pausado pero continuo y una iluminación y puesta en escena que acentúa el ambiente tétrico, se consigue incrementar la intriga por saber como va a acabar la película. Así pues, la buena dirección de Azurmendi, junto con un guion bien estructurado y una actuación convincente de los protagonistas, consigue atraparte en esta historia cada vez más oscura e inquietante.
(ENG)
“I want you to know that I will always love you, and whatever you have done or are going to do will never change that.” A mother's unconditional love for her child is one of the most powerful and pure forces in nature. But, is this feeling so strong that it can truly transcend any words and actions? Can a mother forgive a child's mistakes at any cost?
Mamá, Miguel Azurmendi's short film, offers us an intimate and touching portrait of an elderly and lonely woman who takes care of her only son, an adult, neglected and overweight. The mother, with patience and affection, takes care of the home, calmly carrying out household chores. Although the narrative does not allow us to leave the four walls of the house, the television, always on, loads the space with a constant flow of news about criminals and murderers, managing to create a unique atmosphere that is at once oppressive, claustrophobic and cynical.
The news, repetitive and omnipresent, tells us of a ruthless killer who roams free in the city, strangling his victims. They call him “the Bear”. This constant external threat becomes a disturbing counterpoint to the apparent tranquility of the home, causing the mother's concern for her son's actions to grow. In a way, it may remind us of films like Beautiful Boy, a film by Felix van Groeningen that also tells us about the love of parents for their children at any cost.
To conclude, Mamá invites us to reflect on the nature of unconditional love and its limits, making you enter without knowing how into a bubble that gives a false security because deep down you know that it can explode at any moment. With a slow but steady pace and a lighting and staging that accentuates the gloomy atmosphere, it manages to increase the intrigue to know how the short film is going to end. Azurmendi's good direction, along with a well-structured script and a convincing performance by the main characters, manages to trap you in this increasingly dark and disturbing story.
Nuria Lorente i Quintana
Núria is a final-year Audiovisual Communication student at Pompeu Fabra University. Film has been a passion of hers since childhood, not only as a means of entertainment and imagination, inspired by the magical worlds of Studio Ghibli, but also as a powerful tool for social change. For over 15 years, she has been an active member of a scout group, another way in which, through play and community projects, she has championed social transformation and made the world a better place. Her university internship has offered her the opportunity to work at Nadir, a small cooperative in Barcelona that offers audiovisual workshops in schools and colleges.
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POLITICS AS AN INVERTED WESTERN
By Ignasi Barris Riera
"The Stable" by Elisa Puerto
Save the Earth Jury Prize 2023
(ESP)
En medio de un paisaje desértico, decadente, propio de un western crepuscular, aparece un establo. Dentro, la vida de dos políticos está siendo amenazada por un campesino que, después de sufrir las consecuencias del cambio climático y la sequía de manera directa, reclama responsabilidades. ¿Dónde han ido a parar los fondos del plan de sequía? ¿Qué han hecho para evitar todo lo que está pasando?
Situado en un futuro distópico, también nos muestra una situación distópica; el oprimido oprimiendo a los opresores. El pueblo está realizando una acción directa contra un poder corrupto e ineficaz. La creciente desconfianza hacía los representantes de un estado llega a una confrontación casi obligada. Si la democracia se va deteriorando poco a poco a través de la corrupción; el individuo tiene que actuar. Y así lo hace el protagonista de El establo, un corto de Elisa Puerto, que nos invita a reflexionar sobre la situación política y climática actual y futura. Un corto que, aunque hable de un futuro, nos muestra también un presente. Un problema actual y cercano. Uno de los elementos brillantes del corto es que los dos políticos se nos muestran como iguales. Un ejercicio divertido es ir pensando durante el corto cuál de los dos es de derechas e izquierdas, pero en ningún punto se confirma. Son lo mismo; personas que han sido sobreelevadas por el poder y sus falsas promesas les han consumido la ideología.
El paisaje que se nos muestra al principio y los planos de dentro del establo presentan ciertas reminiscencias al estilo del western. Esta elección estilística no es gratuita. El Western es un género que nos muestra la incesante lucha entre el bien y el mal; la autoridad moral del Sheriff intentando mantener el orden dentro de las leyes para proteger el pueblo. Sin embargo, en este corto, se invierten los roles. La autoridad del “sheriff” representado por los políticos ya no representa la moral; ya no usan las leyes para defender el pueblo, sino por su propio beneficio. El campesino, pues, representa un personaje parecido a un llanero solitario aplicando su propia justicia.
Sin embargo, cuando se produce el plot twist, se añaden más capas en el corto, mostrando la falsedad del “llanero solitario” actual. Un personaje que, aunque luche contra las inmoralidades de la ley, lo hace por un interés, desde la falsedad. Se remarca, así, la insinceridad y moral desechable de la era tecnológica y como está afecta a las luchas sociales actuales.
El establo es un corto que habla del clima de desconfianza creciente hacía el poder político y reflexiona sobre dónde podemos llegar como individuos a influir en este, atacando los límites de la moral. Al mismo tiempo, denuncia la hipocresía de la era tecnológica y la sociedad actual.
Un corto que lejos de mostrarnos un futuro lejano, nos muestra una realidad presente.
(ENG)
In the middle of a decadent landscape, typical of a twilight western, appears a stable. Inside, the lives of two politicians are threatened by a peasant who, after suffering the consequences of climate change and drought in a direct way, claims responsibilities. Where has the funding from the drought plan gone? What have they done to prevent everything that is happening?
Situated in a dystopian future, it also shows us a dystopian situation: the oppressed oppressing the oppressors. The people are taking direct action against a corrupt and ineffective power. The growing mistrust towards the state representatives leads to an almost forced confrontation. If democracy is gradually deteriorating through corruption, the individual has to act. And so does the protagonist of El Establo (The Barn) a short film by Elisa Puerto, which invites us to think about the current and upcoming political and climatic situation. Although the short film is situated in the future, it shows us the present, a current and actual problem. One of the bright elements of the short is that the two politicians are shown to us as equals. One fun exercise is to guess which ideology represents each, but at no point is confirmed. They both are people drunk with power whose false promises have consumed their ideology.
The landscape shown at the beginning and the shots inside the stable have certain reminiscences of the Western style. This stylistic choice is not free. The Western genre illustrates the endless struggle between good and evil; the moral authority of the Sheriff trying to maintain order within the laws to protect his people. However, in this short, the roles are reversed. The authority of the "sheriff" represented by politicians no longer represents morality; they no longer use laws to defend the people but for their benefit. The peasant, therefore, represents a character similar to a lone ranger applying his justice.
However, when the plot twist occurs, more layers are added to the short, showing the falsehood of the current lone ranger, who fights against the immorality of law for his own interest. The dishonesty of the technological age is highlighted, and it shows how it affects current social struggles.
El Establo is a short film that expresses the atmosphere of growing mistrust towards political power and reflects on where we can come as individuals to influence it by attacking the limits of morality. At the same time, it denounces the hypocrisy of the technological age and the current society. A short film that, far from showing us a distant future, shows us a present reality.
Ignasi Barris Riera
Ignasi Barris Riera (2005, Girona) is a student of Audiovisual Communication at Pompeu Fabra University. His interests revolve around the performing arts, literature, music, and film. For his final year of high school, he created the musical Estimat Futur Jo, with his own lyrics and songs, which premiered this year in a theater in Girona. Although he's not entirely sure how he plans to approach his future, he knows that film will be a part of it.
Sept. 2024
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MATAR LA YEGUA, MATAR LA MUJER
By Ignasi Barris Riera
"Yegua" by Javier Celay
NIFF Gold Award for Best Short Film of Navarra 2023
(ESP)
¿Cuál es el final de una vida? ¿Quién decide cuándo una vida debe acabar? ¿Cómo se decide cuándo alguien tiene que morir? ¿El sufrimiento es vida? ¿Hay que vivirlo? ¿Tenemos derecho a decidir cuándo parar de sentirlo? ¿Alguien que respira puede estar ya muerto?
Estas son las preguntas que nos plantea el corto de Javier Celay en el que un hombre que vive en la Navarra rural cuida a su mujer con una enfermedad degenerativa. Cuando compran una yegua que está en un estado crítico y la única solución es sacrificarla, surge un dilema en la mente del protagonista: ¿Qué vale más, la vida sufriendo o una muerte sin sufrir? ¿Tiene que sacrificar la yegua o intentar curarla y prolongar su dolor?
La situación de la yegua se convierte en una metonimia de la situación de su mujer. Una mujer que sufre y poco a poco va perdiendo la capacidad de valerse por ella misma.
Contar la situación desde el punto de vista del marido, convierte el corto en una reflexión sobre el duelo antes de la muerte, como el protagonista se enfrenta a una muerte que aún no ha llegado. Una muerte que llegará, que es inevitable, pero que aún no ha surgido. Su mujer no puede estar presente de la misma manera que antes, no puede hablar, relacionarse… No está muerta, pero ya no es la misma. Así, pues, vemos que el marido no solo pasa el duelo de la muerte que tiene que venir, también el duelo de la muerte de la persona tal y como la conocía. El duelo de ver que la enfermedad la ha consumido hasta tal punto que ya no es la misma y tener que enterrar la versión pasada de ella.
La yegua se utiliza como instrumento para reflejar la situación de su mujer. El sacrificio de un animal, como símbolo de un final que llegará pronto. ¿Pero si se sacrifica la yegua, porque no se sacrifica la mujer? ¿Qué diferencia hay entre el sufrimiento de un animal y el de una persona?
El entorno rural es un elemento que ayuda a crear una atmósfera de aislamiento en el corto. Un aislamiento que atormenta a los personajes, por la lejanía de los servicios médicos, los vecinos que conocen su situación… El entorno rural, pues, acentúa la soledad de los personajes y aumenta la angustia del marido.
También sirve para reflejar esta dualidad entre la yegua y la mujer, animal y persona. En un entorno donde los veterinarios tienen muy claro que si el animal ya no sirve para realizar su función se tiene que sacrificar y, en cambio, los médicos se empeñan en salvar la vida del paciente sin plantearse otras opciones.
A través de la dualidad entre la yegua y la mujer del protagonista, el corto nos invita a reflexionar sobre el duelo de una vida aún no acabada, el sufrimiento y la enfermedad. Unos temas que incomodan al espectador, pero que son necesarios hablarlos, ya que representan una realidad para cientos de personas que se encuentran en situaciones parecidas. En nuestra sociedad cada vez más longeva, la eutanasia o el suicidio asistido han representado y representan un debate legal en los países de gran parte del mundo. Se debaten, por un lado, el derecho a la vida, a la integridad física y moral y, por otro, el derecho a la dignidad, la libertad y la autonomía de la voluntad.
Aunque en España desde 2021 existe el derecho a la eutanasia, hasta ese momento ayudar a morir a una persona era un delito. A pesar de la nueva ley, el instinto humano de proteger la vida a toda costa hace que se valide cualquier situación de vida extrema como en el caso de la mujer del protagonista.
En algún momento u otro de la vida, nos podemos encontrar en una situación como la protagonista. Y después se nos plantearía la pregunta: ¿Qué diferencia el sufrimiento de una yegua al de una persona?
(ENG)
What is the end of a life? Who decides when a life should end? How is it decided when someone has to die? Is suffering a part of life? Does it have to be lived? Do we have the right to determine when to stop feeling it? Can someone who is breathing already be dead?
These are questions brought up by the short film La Yegua (The Mare) by Javier Celay in which a man who lives in rural Navarra takes care of his wife with a degenerative disease. When he buys a mare that is in a critical state and the only solution is to sacrifice it, a dilemma arises in the protagonist's mind: what is more important, to live in pain or to die without suffering? Must he sacrifice the mare or try to cure her and probably prolong its pain? The situation of the mare becomes a metaphor for his wife’s case: a woman who suffers and gradually loses the ability to live on her own.
Telling the situation from the point of view of the husband turns the short film into a reflection on the grief before death as the protagonist faces a death that has not yet come. A death that will eventually come, that is inevitable but has not yet been. His wife can’t be as present as she used to be: she can’t speak, she can’t relate... Still, she’s not dead, but she’s not the same anymore. So, it’s seen that the husband not only goes through the mourning of a death that has not come yet but also the mourning of the death of what her wife was and will not ever be again. The grief of understanding that the disease has consumed her to such a point that she is no longer the same.
The mare is used as an instrument to reflect his wife’s situation. The sacrifice of an animal is the symbol of an ending soon to come. But if the mare is sacrificed, why is not the woman? What’s the difference between the suffering of an animal and the pain of a person?
The rural environment is an element that helps to create an atmosphere of isolation in the short. An isolation that torments the characters, due to the remoteness of medical services, the neighbors who know their situation... The rural environment thus accentuates the loneliness of the characters and increases the anguish of the husband. It also reflects the duality between the mare and the woman, animal and person. In an environment where veterinarians have it very clear that if an animal is no longer useful to perform its function, it must be sacrificed and, instead, doctors are determined to save the patient’s life without considering other options.
Through the duality between the mare and the woman of the protagonist, the short film invites us to think about the mourning of a life not finished yet, the suffering, and the disease. Subjects that are uncomfortable for the viewer, but which need to be discussed as they represent a reality for hundreds of people who find themselves in similar situations; minds trapped in dying bodies. In our increasingly longstanding society, euthanasia or assisted suicide has been and continues to be a legal debate in countries around the world. On the one hand, there is a debate about the right to live, and physical and moral integrity. On the other, about the right to dignity, freedom, and autonomy of choice. Although in Spain there has been the right to euthanasia since 2001, until that time helping a person to die was a crime. Despite the new law, the human instinct to protect life at all costs makes any extreme life situation as in the case of the protagonist’s wife valid.
At some point in life, we may find ourselves in a situation as the protagonist. Then, we would ask the question: What's the difference between the suffering of a mare and the pain of a person?
Ignasi Barris Riera
Ignasi Barris Riera (2005, Girona) is a student of Audiovisual Communication at Pompeu Fabra University. His interests revolve around the performing arts, literature, music, and film. For his final year of high school, he created the musical Estimat Futur Jo, with his own lyrics and songs, which premiered this year in a theater in Girona. Although he's not entirely sure how he plans to approach his future, he knows that film will be a part of it.